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When Charles Baudelaire visited the diorama, a form of nineteenth-century popular entertainment, he was entranced by its evident falseness which gave way to what he termed 'useful truths'. By generating a convincing illusion of nature through conspicuously mechanical means, the diorama provoked its spectators to experience an intersubjective engagement with their environment. The form was later marshalled in the service of natural history, but the pedagogical and ideological imperatives of the early twentieth-century museum denied the explicit falsehood that was so central to the original diorama. When the form was revived by twenty-first century contemporary artists, the open acknowledgement of its illusory quality was restored as part of a critique of singular authority. Reckoning with the role of deception in an Anthropocene diorama displayed in Paris's Museum of Hunting and Nature, this article asks how what Baudelaire termed the diorama's 'brutal magic' might speak to environmental lies and truths today.

Photography was once considered the vera icon in modernity, a reputation that it has tried to justify ever since. But the \"world out there\" became increasingly suspect and uncertain as modernity unfolded, with the ultimate result that so-called reality no longer attracted the imagination. At that juncture there was no more use for photographic realism; that is, for capturing external reality. Every technique looks old when its motives look old. Photography no longer shows us what the world is like, but what the world was like at a time when people still believed that they could possess it in the photograph.

This essay argues that the natural history diorama preserves environmental consciousness as a technological artifact. Perfected in an era that had come to view progress as a “machine in the garden,” the diorama harnessed technologies, and a technological consciousness, perceived to be responsible for imperiling nature, into the service of a coherent conservation ideal, and in the process obscured the machinery—and the machining—of our views of nature (Marx passim). I reveal the diorama's debt to technology in the context of the early stage dioramas and optical illusions of Louis Daguerre, whose machinery of Romantic nature anticipated the first photographic processes, and in the pioneering museum designs of Carl Akeley, the artist-inventor who helped to engineer environmental sensibility through machines built to solve technical problems that were often remote from the question of conservation.

L'obra d'Hiroshi Sugimoto abasta més de quatre dècades i l'artista japonès ha esdevingut un dels creadors més aclamats de la seva generació. La seva pràctica artística es fonamenta sobre nocions com el temps, la memòria o la transitorietat. En aquest text examinem les sèries Theaters i Seascapes, dos dels projectes més celebrats de l'artista, on Sugimoto ofereix un registre visual de la durada. Amb un enfocament conceptual i mitjançant una metodologia pacient, basada en llargs temps d'exposició i un meticulós procés de revelatge analògic, Sugimoto aixeca qüestions radicals al voltant del binomi temps-fotografia. En aquest text analitzarem com les estratègies d'alentiment i dilació proposades per Sugimoto alteren la nostra percepció i experiència temporal. Per això, revisarem els vincles del seu treball amb teories sobre l'Slow Art, categoria artística proposada per Arden Reed, i ens aproparem, de la mà de Juan Martín Prada, a l'obra de Sugimoto en clau de contraimatge per demostrar que la seva fotografia ens brinda, destil·lada, una oportunitat per a la contemplació i el descans perceptiu: una imatge-temps. Hiroshi Sugimoto's work spans more than four decades, and the Japanese artist has become one of the most acclaimed creators of his generation. His artistic practice is based on notions of time, memory and the transitory. In this text we will examine the Theaters and Seascapes series, two of the artist's most celebrated projects, in which Sugimoto offers a visual record of duration. With a conceptual approach and through a patient methodology, based on long exposure times and a meticulous analogy development process, Sugimoto raises radical questions about the time-photography binomial. In this text we will analyse how the slowing down strategies proposed by Sugimoto alter our perception and temporal experience. In order to do so, we will analyse the links between his work and the theories about Slow Art, an artistic category proposed by Arden Reed, and, with the help of Juan Martín Prada, we will approach Sugimoto's photography as an example of counter-image to show that his photography offers a distilled opportunity for contemplation and perceptual rest: an image-time. La obra de Hiroshi Sugimoto abarca más de cuatro décadas y el artista japonés se ha convertido en uno de los creadores más aclamados de su generación. Su práctica artística se cimienta sobre nociones como el tiempo, la memoria o la transitoriedad. En este texto examinamos las series Theaters y Seascapes, dos de los proyectos más celebrados del artista, en los que Sugimoto ofrece un registro visual de la duración. Con un enfoque conceptual y a través de una metodología paciente, basada en largos tiempos de exposición y un meticuloso proceso de revelado analógico, Sugimoto levanta cuestiones radicales en torno al binomio tiempo-fotografía. En el presente texto analizaremos cómo las estrategias de ralentización y dilación propuestas por Sugimoto alteran nuestra percepción y experiencia temporal. Para ello, revisaremos los vínculos de su trabajo con teorías sobre el Slow Art, categoría artística propuesta por Arden Reed, y nos acercaremos, de la mano de Juan Martín Prada, a la obra de Sugimoto en clave de contraimagen para demostrar que su fotografía nos brinda, destilada, una oportunidad para la contemplación y el descanso perceptivo: una imagen-tiempo.

La obra de Hiroshi Sugimoto abarca más de cuatro décadas y el artista japonés se ha convertido en uno de los creadores más aclamados de su generación. Su práctica artística se cimienta sobre nociones como el tiempo, la memoria o la transitoriedad. En este texto examinamos las series Theaters y Seascapes, dos de los proyectos más celebrados del artista, en los que Sugimoto ofrece un registro visual de la duración. Con un enfoque conceptual y a través de una metodología paciente, basada en largos tiempos de exposición y un meticuloso proceso de revelado analógico, Sugimoto levanta cuestiones radicales en torno al binomio tiempo-fotografía. En el presente texto analizaremos cómo las estrategias de ralentización y dilación propuestas por Sugimoto alteran nuestra percepción y experiencia temporal. Para ello, revisaremos los vínculos de su trabajo con teorías sobre el Slow Art, categoría artística propuesta por Arden Reed, y nos acercaremos, de la mano de Juan Martín Prada, a la obra de Sugimoto en clave de contraimagen para demostrar que su fotografía nos brinda, destilada, una oportunidad para la contemplación y el descanso perceptivo: una imagen-tiempo.